Sofro muito com as pernas espremidas e geralmente luto por uma poltrona no corredor (aisle). Nem sempre consigo como foi o caso do musical Newsies, que é outro dos filmes que viraram show de teatro.

Mesmo tendo sido fracasso no cinema e sendo praticamente desconhecido no Brasil (até onde lembro não saiu em DVD no Brasil já que eu tive que importá-lo). Enfim, fiz tudo para segurar a dor nas pernas e tentar gostar do espetáculo que estava sendo consagrado por um público de teens (lotado) que gritavam como se fosse show de rock (o porque não entendi muito bem!).

Foi quando me caiu a ficha: não é irônico se aplaudir um show sobre uma greve de jornaleiros menores de idade, que defendem os direitos das crianças que trabalham, que defende além do direito de greve também a importância e força do sindicalismo (como se sabe nos EUA ambos ainda são fantasmas rejeitados pelos donos do poder, tanto que o máximo que se ouve sobre greve por aqui são as de roteiristas de Hollywood ou atores).

Eles gritam "greve" e a plateia que mal sabe do que isso se trata, canta que a justiça está chegando já às ruas. E assim por diante. E sabe aquele Pulitzer que leva o nome do famoso prêmio  de jornalismo e literatura? Pois é, o cara era um mau caráter, reacionário e péssimo dono de jornal, nos mostra o show.

É interessante ver que o show, que tem seu coração e proposta de esquerda, é produzido por uma corporação altamente capitalista como é a  Disney! Ele  estava sendo preparado devagar e sem muita esperança quando logo na primeira performance teve criticas tão boas que resolveram arriscar e levá-lo para uma temporada pequena na Broadway (os anúncios ainda falam que vão parar em meados de agosto). Mas está sendo tão bem recebido que não duvido que fique mais tempo em cartaz.

A verdade é que não chega a ser inspirado, as canções são de Alan Menken (aquele mesmo de Leap of Faith, que já foi tirado de cartaz e também de todos aqueles desenhos famosos, um dos quais Aladdim também já está a caminho dos palcos). O cara é bom e ganhou aquela montanha de Oscars, mas este seu escore não é especialmente memorável. Funciona melhor em cena do que disco porque foi montado muito profissionalmente por Jeff Calhoun (que já fez muita bobagem antes como Bonnie e Clyde, Grey Gardens).

Os cenários são aquelas batidas estruturas metálicas que servem para qualquer coisa, são a casa dos meninos órfãos, depois a prisão ou qualquer outra coisa que precisarem. Ou seja, não há aqueles cenários majestosos de antigamente, os figurinos são banais e o elenco que deveria ser de menores de idade é formado como de costume por dançarinos de vinte e tantos anos, de estatura baixa (alguns praticamente anões) e capacidade atlética.

O ator mais conhecido seria Jeremy Jordan que esteve em Bonnie e Clyde e no filme Joyful Noise com Dolly Parton.

Nada carismático é uma espécie de versão feia do nosso Fábio Assunção (penso sempre que foi Chris Bale que fez o papel no cinema). Seu personagem também é inseguro, vive cantando sobre a vontade de largar Nova York e se mudar para Santa Fé, no Novo México, ou seja, um chato que não assume sua liderança nem seu talento para o desenho.

Mas eu gostei da mocinha Kara Lindsay, que tem um jeito de Sally Field, e do vilão John Dossett (que é Pulitzer), veterano de Mama Mia e Gypsy. E também da coreografia de Christopher Gatelli (de South Pacific) cheia de energia e invenção (como dançar em cima de folhas de jornal).

Bom, pelo tom do comentário dá para sentir que acabei gostando do espetáculo. Ele é direto, forte, atinge o público de maneira positiva.

ps* Newsies para quem não entendeu seriam os jovens jornaleiros, aqueles que vendem os jornais com as noticias no começo do século passado em Nova York.

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Tinha certa expectativa de assistir o novo filme de Sacha Baron Cohen depois da decepção do descontrolado e quase ofensivo Bruno (2009), bem inferior a seu famoso Borat (2006), que inaugurou seu estilo de semi-documentário fake.

Sacha que é judeu e britânico, pisa em terreno mais polêmico com O Ditador já que apresenta um ditador de um pais rico em petróleo e deserto mas que ele faz questão de dizer que não é árabe e em momento nenhum se toca em religião. Para provocar a ira dos mamoetanos. Se isso for possível.

O truque é que tudo o que assistimos no trailer na verdade resuma unicamente os primeiros minutos do filme, que dali em diante muda completamente e se torna por sinal muito menos engraçado. Inclusive, notei um corte do trailer, já que não tem aquela frase em que ele diz: "Salve os Estados Unidos, o país onde inventaram a AIDS!"

Alguém resolveu cortar a piada. Sacha tem a mania ou precaução, de fazer versões diferentes para cada país. Esta americana tem apenas 83 minutos, incluindo os letreiros que continuam a ter piadinhas até mais ou menos a metade. O Ditador, naturalmente feito por Sacha, chama-se Aladeen (piada evidente) e seu castelo num Oasis é uma famosa construção na Espanha, em Sevilha, assim como as externas nas Ilhas Canárias e Marrocos.

Ele é sanguinário e por qualquer coisa manda seus associados (só que em vez de serem executados, estes fogem para os Estados Unidos) enquanto prossegue com seu plano de construir ogivas e bombas atômicas para fins bélicos. Seu maior inimigo é o irmão (papel indigno para Bem Kingsley) que lhe prepara uma cilada quando Aladeen vai até Nova York para falar na ONU (é importante lembrar que ele tem também vários sósias que morrem em atentados contra ele). Por uma série de circunstâncias, Aladeen fica fora da Assembléia e obrigado a sobreviver em Nova York, com a ajuda de uma militante (Anna Faris) com quem eventualmente se envolve. Até sexualmente.

Uma pena que por causa dessa trama a maior parte do filme é apenas mais uma repetição do tema do Peixe Fora D’Agua, ou seja, um ex-ditador sem poder, descobrindo os prazeres do capitalismo.  Como sempre o problema é a falta de gosto, ou melhor dizendo, o mau gosto de muitas piadas, grosseiras ou vulgares. Uma delas, por exemplo, é elenco esquecendo um celular dentro do útero de uma mulher que está ajudando a nascer o bebê (mas tem uma piada boa sobre o tema em outro momento, quando fala para a mulher: - Você esta grávida? Pode escolher entre menino ou aborto!).

Tem outras coisas que ofendem, numa delas, um emissário chinês quer que George Clooney faça sexo oral para ele. Aí dizem mas ele não é gay, são apenas boatos! Parece que você que é gay. O chinês responde, não é sexo! É poder (ainda assim Clooney não topou fazer a ponta, mas quem faz a cena ainda que sugerida é o corajoso Edward Norton). Aliás, nos diálogos também há um exagero de palavrões e sugestões de sexo oral, incluindo Aladeen aprendendo a se masturbar pela primeira vez.

Quem foi burra o suficiente para aceitar a ponta foi Megan Fox, que segundo mostra o filme ganha presentes e dinheiro para fazer sexo com xeiques ricos como o Ditador. Ou seja, se prostitui, se não é verdade, é uma brincadeira que só a compromete, não a promove em nada.

E vai assim por diante, depois de uma comecinho razoável, o filme fica muito irregular (ainda assim a plateia americana parecia achar alguma graça), mas felizmente no fim dá uma reviravolta muito interessante. E Sacha faz um discurso altamente crítico e violento, defendendo a Ditadura que é boa porque assim se pode torturar prisioneiros sem julgamento, prender negros sem justificativa e vai assim por diante apontando todos os atuais defeitos da chamada democracia americana. A plateia riu meio amarelo, me parecendo que custaram a entender a piada.

Felizmente tem muitas gags, muito chutes nas partes, e outras baixarias, perdido entre um outro momento de doçura e alguns vazios.

Aposto que o melhor do filme ficou na sala de edição cortados ou por um algum advogado com medo de processo ou da fúria vingativa dos sucessores de Bin Laden.

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Eu já tinha achado o direto McTeigue muito ruim em V de Vingança e comprova isto mais uma vez neste decepcionante thriller de suspense, banal e violento (acaba mesmo sendo grosseiro) que comete o erro imperdoável de trazer a pior interpretação da carreira do sempre afável John Cusack, um ator que nunca alcançou a grandeza que sempre esperávamos mas que ainda continua com nossa simpatia.

Mesmo aqui onde fica o tempo todo de boca aberta (dá uma de Kristen Stewart) talvez na tentativa de ficar mais parecido com o lendário escritor que interpreta, Edgar Allan Poe (1809-1849).

Não é a primeira vez que se constrói uma história em cima da vida do próprio Poe, que já participou como personagem de mais de 54 filmes e telepeças. O próprio Corvo um de seus mais famosos poemas macabros já foi usado antes inclusive como comédia de terror por Roger Corman (com Karloff e Lorre). Mas não espere humor neste filme sombrio e aborrecido.

Com Cusack fora de combate fica difícil até seguir uma história tão previsível e já feita tantas vezes. Chamar um escritor para tentar resolver uma série de assassinatos, tipo serial killer, que estão sucedendo pelo que parece ser um fã tresloucado que inspira as mortes em obras de Poe (eu lembro especialmente da comédia inglesa de terror, As Sete Máscaras da Morte, com Vincent Price, onde um ator louco matava os críticos se inspirando nas peças de Shakespeare! Naturalmente ele se torna primeiro suspeito (porque está duro e o pai da mulher que ama, um homem muito rico, não permite o casamento). E assim por diante.

Embora velho como tema, o script poderia ter menos lugares comuns e absurdos, o elenco poderia ser melhor (não gosto da mocinha que fica melhor como loira burra - como em Ela é Demais - que heroína, apesar do pai ser um famoso ator inglês Trevor Eve). Outro ótimo Brendan Gleeson está no pior dia como o pai dela.

Enfim, é uma causa perdida que será melhor esquecer.

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Por coincidência está em cartaz no cinema Lincoln Plaza, em frente ao Lincoln Center, este mesmo filme japonês que está estreando nesta semana em São Paulo. E que prazer poder falar bem deste belo, encantador e delicado trabalho daquele que é provavelmente o melhor diretor japonês vivo. Leon Cakoff e Renata sempre foram seus admiradores e trouxeram para a Mostra seus primeiros trabalhos (até brigavam comigo, no bom sentido, porque às vezes eu reclamava que os filmes eram um pouco longos, cansativos). Mas desta aqui não há o que criticar.

Koreeda tem um notável para dirigir criancas, o que fica patente de novo neste filme sobre a infância, passado numa ilha isolada do Japão, onde existe um vulcão que monotonamente espalha cinzas todos os dias pela cidade.

Apesar disso, a vida continua para dois irmãos pequenos (as crianças são realmente irmãs na vida real), que foram separados porque seus pais brigaram e agora Koichi vive com a mãe e avós maternos e o irmão caçula Ryu está com o pai que é musico, irresponsável mas não mau sujeito. Os dois poucos se veem mas falam por telefone e combinam uma aventura (uma característica do filme é a grande quantidade de comida que aparece,desde junkfood até sushi de carne de cavalo a vários tipos de doce). Mesmo desafiando o cotidiano do colégio, eles acabam por reunir uma turminha de oito criancas, que partem para uma aventura escondido de seus pais.

Ouviram dizer que uma maneira de fazer um pedido que sempre dá certo é no momento em que o trem bala cruza com o outro trem normal de carreira. E assim movem céus e terras, conseguem dinheiro para comprar as passagens e lutam para encontrar um tunel onde esse encontro sera possível.

Nem é preciso dizer que o elenco infantil é maravilhoso, que o filme chega mesmo a lembrar os trabalhos do Grande Ozu com sua simplicidade e encanto. Claro que está repleto de detalhes saborosos, mas eu deixa para vocês a chance de descobri-los. Basta dizer que é muito japonês, muito universal, um filme singelo que é uma delícia de se assistir.

Nao deixe de ver.

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No ano passado eu cheguei a comprar ingresso para ver a peça Other Desert Cities, que ainda estava em previews, e dei de presente para um amigo quando, na última hora, preferi assistir outra. Mas ela continua em cartaz, fazendo sucesso, e felizmente tive a chance de poder assisti-la no pequeno, e quase centenário,  Booth Theatre.

Meu primeiro choque foi quando abriu a cortina: a cara nova da protagonista Stockard Channing (indicada ao Oscar por Cinco Graus de Separação, mais famosa por ser a moça assanhada de Grease). Nem dava para reconhecer, virou outra pessoa de tanto que mexeram na cara dela.

Só depois de meia hora que a gente esquece do terror e passa a prestar atenção no texto de Jon Robin Baitz, que é bem armado, ou seja, coloca os personagens, desenvolve a psicologia deles e, no final, explica tudo direitinho como manda o figurino da dramaturgia (aliás, confesso que gosto de texto assim, no estilo Harold Pinter, só com Pinter e assim mesmo de vez em quando).

 Enfim, aqui é a filha única que vem passar o natal (embora sejam judeus) com os pais que vivem agora em Palm Springs numa daquelas casas de vidro que constroem no deserto.

Ela é Stockard e ele é, o outrora famoso, Stacy Keach, que destruiu sua carreira por causa do uso da cocaína, mas agora esta fazendo um comeback (está inclusive no próximo Bourne Legacy). Com 71 anos, ele virou um velho leão, com cara de Lionel Barrymore, mas ainda uma presença forte.

A filha (feita por Elizabeth Marvel) vem apresentar para a família seu novo livro, que são memórias que ela tem de seu irmão mais velho, que aparentemente se suicidou (e os culpados só podem ser os pais e a tia, que está tentando largar o alcoolismo, feita pela veterana de TV Judith Light).

 Há ainda, para mim melhor do elenco, Thomas Sadoski, que faz o irmão mais novo e agora produtor de TV, aliás, ele está na nova série da HBO, Newsroom (esqueci de mencionar que os pais, ambos são ex-astros de cinema e bem de vida).

Em dois atos e um epílogo, para tudo ficar bem amarradinho, lava-se a roupa suja de forma satisfatória. Não sei se alguém comprou os direitos para o Brasil, mas não me parece nada especial. Mas como só tem cinco pessoas no elenco e um único set, ao menos seria viável.

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Uma das coisas boas de assistir teatro em Nova York é que quase sempre a gente esbarra com gente famosa na plateia, sentada pertinho da gente. Embora o novaiorquino seja notável por fazer de conta que não percebe ninguém, não dá a menor bola e por isso celebridades gostam de viver lá.

Ontem, por exemplo, quem se sentou atrás de mim foi Susan Sarandon, maravilhosamente bem para quem já tem 65 anos (e ainda por cima estava acompanhada por um rapaz com cara de oriental, que teria ao menos trinta e tantos anos a menos que ela).

No dia anterior foi um das minhas favoritas, a inglesa Emily Blunt, que eu tive a pachorra de seguir e ficar observando. Ela tem realmente olhos lindos (deve ser míope porque usava óculos enormes estilo Harry Potter) e achei até mais bonita do que na tela.

Justamente por causa disso que fui assistir ontem ao filme dela que acaba de fracassar nos cinemas americanos e descobri que foi uma grande injustiça. É uma nova comedia de Judd Apatow, que é considerado o atual mestre do gênero, Cinco Anos de Noivado (não duvido que no Brasil sai direto em DVD) dirigido por Nicholas Stoller.

Com roteiro dele e de Jason Segel, aquele chato de Os Muppets, que é um daqueles equívocos do cinema atual. Não é bonito, não é engraçado, não serve para galã, nem bandido e não há motivo para se ver um filme inteiro com esse chato de galochas.

Para dizer a verdade, ele é apenas mais ou menos uma comedia, tem alguns momentos engraçados mas leva-se a sério demais para funcionar nestes tempos de pornochanchada (dá para perceber que Apatow andou forçando alguns diálogos mais apelativos e grossos, atévulgares, mas não conseguiu mexer na inocência da história).

Afinal é sobre um casal que passa cinco anos apaixonado mas apenas noivos, sem se casarem (Pensando bem, hoje em dia não faz a menor diferença, se ainda fosse nos anos 50! Agora que me caiu a ficha que o ponto de partida é uma besteira e por isso fracassou).

Uma pena porque Emily é encantadora embora tenha muito pouco a fazer, as piadas ficam com Segel, grandão e feio e ainda por cima com a mania de sempre aparecer pelado (vamos fazer um abaixo assinado para acabar com isso!).

Na história, ele é um chef de cozinha (e aí temos um possível candidato para novo livro de culinária no cinema) que aceita se mudar para o interior em Michigan, porque a noiva ganhou uma chance de fazer doutorado lá. Para ele é uma fria literalmente e na falta de emprego melhor, acaba virando caçador e infeliz.

Quem faz o orientador dela, que obviamente também dá em cima da moça é o inglês Rhys Ifans (aliás, muito bem) enquanto de contraponto tem também um casal formado pelo melhor amigo dele e a irmã dele que se casam antes porque a garota fica grávida (está na cara que o papel deste melhor amigo foi escrito pensando em Seth Rogen e na sua ausência escolheram um sósia).

No final das contas, eu acabei gostando do filme que é romântico e divertido, mas muito menos engraçado do que prometia. E viva Emily!

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Não há dúvida que foi o sucesso de Anything Goes (ainda em cartaz) que eles tentaram repetir com este novo Nice Work If you Can Get it.

Isto é, fazer uma compilação das melhores canções de um compositor genial do passado (lá Cole Porter, aqui George Gerswhin) numa história leve, divertida, propositalmente antiquada, com milionários, contrabandistas e filhos ilegítimos.

E muita invenção, humor, boas gags e eficiente coreografia. O resultado é um dos melhores shows no momento em cartaz na Broadway.

Quem gosta do velho estilo de espetáculo do tipo Crazy For You (montado há cerca de duas décadas) vai adorar esta enxurrada de canções da melhor qualidade. E muito bem encaixadas num roteiro inspirado de Joe Di Pietro (ainda que inspirado em trechos de P.G.Woodhouse e Guy Bolton) sem qualquer apelação (poderá ser visto por crianças se elas tivessem paciência). Esse Di Pietro ganhou o Tony por Memphis e antes fez um outro Cult off Broadway, I Love You, You’re Perfect, Now  Change. Mas ainda se supera.

Quase todos os velhos standards estão lá: But not for Me, I’ve Got a Crush on You, Someone to Watch Over Me, S’Wonderful, Fascinating Rhythm, Lady Be Good,They All Laughed, Sweet and Lowdown, Let’s Call the All Thing off e naturalmente a música título. 

Algumas delas usadas para efeito cômico (como Do, Do, Do; Blah Blah  Blah, By Strauss, Treat me Rough, todas essas são utilizadas em sketchs especialmente engraçados). Resultando em duas horas e meia (com intervalo) de puro prazer.

Sou fã de Matthew Broderick ou será que devo dizer que um dos meus filmes favoritos é Curtindo a Vida Adoidado!

Ultimamente ele andava meio descuidado, ficando com a aparência de sapo velho. Mas emagreceu, treinou muito e se não virou um Fred Astaire o que seria mesmo impossível é capaz de fazer piruetas bem marcadas e livrar sua cara numa boa. Também a voz que nunca foi grande coisa não compromete (ainda assim a gente sente uma certa falta de empenho, de alegria de viver, como se o palhaço tivesse ficado triste, desmotivado).

 Sua parceira é a também estrela da Broadway Kelli O’Hara (South Pacific, Pajama Game) que tem a mais bela voz de sua geração mas um físico ingrato. Lembra aquela atriz inglesa Imelda Staunton mais jovem, ou seja, esta longe de ser bonita, ou uma atriz especial.

Felizmente o resto do elenco é ótimo. Fiquei chocado como o tempo passou para Estelle Parsons que surge apenas no fim para resolver a situação (Estelle ganhou um daqueles Oscars de coadjuvante de que ninguém se lembra e que não lhe trouxe sorte, por Bonnie e Clyde).

 Em compensação quem esta ótima é Judy Kaye, de longa carreira (Mama Mia, Tony por Phantom of the Opera, Ragtime). Tem voz possante e agora é uma senhora de voz e presença poderosa. O mordomo também é outro papel notável; Michael McGrath (Memphis, Born Yesterday) já veterano parece ter a chance de sua vida. Jennifer Laura Thompson (Urinetown) insiste em imitar Kristin Chenoweth mas tem um número irresistível numa banheira (Delishious).

Nada disso surpreende quando vai se ver o nome da coreografa e diretor que é Kathleen Marshall , irmã de Rob Marshall e quem montou justamente Anything Goes - além de outros mais antigos como Kiss me Kate, Wonderful Town, Grease e The Pajama Game. Este é um daqueles shows que espero que dure muito porque eu o reveria de novo sem problemas.

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Sempre houve uma relação muito próxima entre teatro e cinema, em particular no teatro musical. Praticamente todos os grandes shows musicais foram eventualmente adaptados para o cinema (como Um Violinista no Telhado, cuja montagem teatral original está em cartaz em São Paulo).

Se bem que de uns anos para cá, o fluxo se inverteu e tem sucedido justamente o contrário, filmes que viraram peças. Este ano então a moda chegou ao cúmulo, incluindo A Família Addams (já saiu da Broadway, mas está em São Paulo) e Priscila, a Rainha do Deserto (em SP e numa montagem melhor ainda na Broadway, aliás, produzidas por Bette Midler).

Neste momento, temos ainda Anything Goes (filmado várias vezes), Chicago (que era o filme Pernas Provocantes, com Ginger Rogers), Ghost, Mary Poppins (já no seu quinto ano), Rei Leão (mais de 11 anos), Newsies (da Disney, o filme nunca passou em nossos cinemas, foi direto para Home Vídeo), Spider Man Turn Off the Dark, Sister Act (Mudança de Hábito), Wicked (baseado em O Mágico de Oz e até de certa maneira O Phantom of the Opera.

Este ano o musical que teve mais indicações para o Tony foi justamente um filme que virou show, embora o filme tenha sido irlandês e nem tão conhecido assim. Falo de Apenas uma Vez/Once, de um certo John Carney, estrelado por uma dupla que desconhecida e continua até hoje, Glenn Hansar e Marketa Inglove.

Era a história de um irlandês que conserta aspiradores e de hobby canta na rua suas próprias composições. Assim atrai a atenção de uma jovem emigrante tcheca que também toca piano e canta. Os dois começam um romance, mas ela tem marido (que viaja), mãe e filha pequena.

A história é apenas essa e só ficou famosa porque teve uma canção que ganhou o Oscar, mas já estava esquecida. A bela Falling Slowly, que agora aparece logo no começo e no encerramento. Não é difícil entender porque os críticos ficaram encantados com o show. Ele é simplesmente diferente.

Quando você entra no teatro, a cortina está aberta e você pode ir diretamente para o palco, onde está armado um típico bar irlandês, com espelhos e muitos quadros e também uma banda típica local, que aos poucos se organiza e começa a interpretar canções regionais, às vezes inclusive com dança.

 E isso durante praticamente meia hora! Até quando a plateia retoma seus lugares e começa a peça que é basicamente o filme, só que encenado naquele ambiente. Entra o herói (no filme nem tinha nome aqui virou Guy, que pode ser também Cara) e os coadjuvantes que formam também a banda vão trazendo os elementos de cena necessários.

E Depois a moça (que não tem nome, também é girl) e para ela trazem um piano (ela fala com sotaque forte e errando palavras, do que é tirado o maior efeito possível). Quase todas as canções são solos do casal embora tenha variações, seja a capela , meio dançado. Tudo de forma muita delicada, encantadora e também um pouco devagar (no final do primeiro ato, quase me vejo lutando contra o sono).

O show é modesto e bonitinho, mas funciona principalmente pelo acerto na escolha da dupla central, os dois desconhecidos para mim. Steve Kazee este em Spamalot do Monty Python e no 110 Degres on the Shade.

Nenhum filme importante. Mas é um rapaz de boa presença, boa voz, carismático. A moça se chama Cristin Millioti e tem créditos ainda menos conhecidos. As canções ainda são aquelas dupla do filme, Hansar e Marketa. O diretor para variar é inglês e se chama John Tiffany. Bem possível de ganhar o Tony. Se bem que eu prefira coisas mais animadas.

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Era basicamente uma telenovela e durou entre 1966 a 71, trazendo como protagonista Barnabas Collins, o ator Jonathan Frid, que morreu com 87 anos, há algumas semanas, sem poder ver a participação dele e outros atores originais da série na sequência da festa onde canta Alice Coooper (descrito por Johnny Depp, ou seja, Barnabas no filme como a mulher mais feia que já viu na vida!).

Dark Shadows já está em cartaz nos Estados Unidos, mas não me pareceu que vai abalar o reinado de Avengers, todo mundo com que cruzei estava louco para assistir, mesmo que fosse de novo a aventura da Marvel. A sala em que assisti com qualidade de imagem de primeiríssima linha na primeira sessão do dia de estreia estava quase vazia e com público frio.

Deram uma ou outra risada, já que tem sacadas boas, mas está longe de ser uma comédia. Também não é o filme que estava se esperando para dar finalmente um Oscar de diretor para Tim Burton, que já faz tempo que merece. A melhor coisa, e nisso não há novidade, é a presença de Johnny Depp, que está discreto, bem maquiado, sinistro, mas sem excessos. Considerando que tem que fazer um papel de vampiro assassino ingrato e que mata todos os que o salvaram porque esta há quase dois séculos morrendo de sede de sangue!

E não para por aí, não é exatamente uma figura doce e adorável como Edward Mãos de Tesoura. Mata mesmo os outros, inclusive a mulher de Burton, Helena Bonham Carter que faz uma esquisita psiquiatra. E não chega a ter grandes poderes, a não ser a vida eterna e a capacidade de hipnotizar humanos. Mas o tempo todo eu senti o medo que o filme tem de virar uma variação da Família Monstro ou Família Addams. O que é um engano.

Porque fica num meio termo perigoso, não é bem terror, não é comédia, nem melodrama romântico, embora tenha momentos de romance. Acaba sendo apenas mais uma obra da fantasia de Burton, ao custo de U$S 125 milhões, que reúne sua equipe (eficiente) de confiança como o compositor Danny Elfman, o produtor Richard Zanuck, figurinista Coleen Atwood.

Outra pessoa que está bem no filme, aliás tem o melhor papel depois de Depp, é a francesa Eva Green, que não tinha dado certo desde James Bond. Ela tem o papel chave da bruxa maligna que vive na Costa do Maine e é apaixonada por Barnabas, mas quando recusada consegue armar a vingança diabólica (não se sabe porque tem tanto poder!).

De qualquer forma, alem de transformar Barnabas em vampiro, faz com que a mulher que ele ama se mate e o enterra vivo num caixão todo acorrentado. Quando este retorna, Eva esta muito bem de vida, já que tomou toda a fortuna da família de Barnabas, mas mesmo assim continuou louca por ele. 

E o ponto alto do filme seria a sequência dos dois fazendo sexo literalmente subindo pelas paredes. Quando Barnabas retorna já é nos anos 70 escolhido porque era a época em que todos se vestiam e se comportavam de maneira mais bizarra, o que permite que ele use um linguajar antiquado, se assuste um pouco com as novidades.

Mas nem isso é aproveitado direito pelo roteiro, poderiam ter muito mais piadas com os contrastes de costumes. Assim como toda família é muito mal explorada. Michelle Pfeiffer faz a matriarca Elizabeth que aceita Barnabas de volta. Michelle continua uma bela mulher, mas não lhe dão nada especial para fazer, aliás está todo mundo perdido. Como a adolescente Carolyn, que esconde um segredo, mas é o pior trabalho de Chloe Grace Moretz, que nem ganha quase closes.

Jonny Lee Miller (filho de Bernard Lee o M de Bond e ex marido de Angelina Jolie), faz o irmão de Elizabeth, Roger que parece ser vigarista, mas logo é tirado de cena. O menino David (Gulliver McGrath) é ajudado pelo fantasma da mãe dele, mas é outra falha do filme já que mal entendemos sua presença ou ação assim como a figura do outro fantasma que acompanha o interesse romântico que, supostamente, seria reencarnação da outra.

Confuso? Também acho, confesso que não entendi direito.

Há regras mal delineadas do que um vampiro pode ou não fazer. A luz do dia não o perturba, mas do sol sim, não se vê no espelho, mas não tem problemas com água. E sorry, nada a ver com a Saga Crepúsculo. Diante de tudo isso repito: tenho minhas dúvidas a respeito do êxito do filme e mesmo da continuação para qual já deixam a porta aberta.

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Chuva leve e uma temperatura agradável. Mas sem sol o Times Square fica frio e sem graça. Costumo vir todos os anos para Nova York nesta época porque é o momento estratégico em que estão em cartaz todas as melhores peças da temporada que desejam concorrer ao Tony, ou seja, o Oscar do teatro.

É também o momento em que fecha aquilo que não deu certo e desde que estou aqui duas já anunciaram seu fechamento, uma comédia chamada Seminar, que estava com Jeff Goldblum e um musical caro chamado Leap of Faith (versão de um filme chamado Fé Demais) e Cheira Mal, que era com Steve Martin, o show e com Raul Esparza.

A crítica acabou com ele chamando-o de buraco negro e vai fechar neste fim de semana. Eu já tinha decidido não vê-lo já que tem outras opções boas em cartaz. Ah, também saiu a notícia pela TV que vai fechar o musical Como Vencer na Vida sem Fazer Força.

Mas isso já era previsível desde que largou o show o Daniel Radcliffe (Harry Potter, com quem eu vi e gostei muito). Quem está em cartaz, ao menos nesses dias ainda, é Nick Jonas, um dos Jonas Brothers da Disney (talvez o mais inexpressivo, não tem cara de nada, nem suas fãs conseguiram segurar a bilheteria).

Diante da necessidade de escolher, eu vou deixar de ver uma nova montagem de Um Bonde Chamado Desejo só com atores negros, a comédia Harvey (só estreia no dia seguinte ao que vou embora), a comédia All Black, premiada com o Pulitzer, Clybourne Park, Evita (já vi demais), o erótico Venus in Fur,  Magic/Bird sobre basquetebol (outra que está fechando), remontagens de Godspell e Jesus Christ Superstar (ambas elogiadas, mas já vi muitas versões e não dá par ficar mais tempo). Enfim, a vida é sempre uma escolha e não se pode ter tudo... Palavras que consolam.

Comecei no dia em que cheguei - porque achei que era um início com chave de ouro- assistindo Gore Vidal’s The Best Man, que ele escreveu no começo dos anos 60 e que contém referências a infidelidade do presidente Kennedy!

Há uns poucos anos teve outra remontagem que perdi, mas lembro bem do filme, que foi chamado aqui ridiculamente de Vassalos da Ambição. Dirigido por Franklin Schaffner, tinha Cliff Robertson, Henry Fonda e me lembro que era em preto e branco e tinha certo impacto porque foi dos primeiros filmes a tocar no assunto de homossexualismo (o jovem candidato a indicação para concorrer à presidência de um partido, é suspeito de ter tido no passado ligações homossexuais quando serviu o exército).

Esta montagem é notável pelo elenco que reuniu, começando por Angela Lansbury (na verdade é uma participação especial com apenas duas cenas longas e não havia mesmo porque ser indicada ao Tony), que faz uma matrona fofoqueira moralista com seu tom habitual um pouco over the top.

Mas acho sempre um privilégio ver esta lenda viva em cena, uma das poucas sobreviventes e em ação (é a terceira vez que a vejo com sua bengalinha depois de  A Little Night Music e Blithe Spirit).

Quem rouba literalmente a montagem e foi indicado ao Tony é outra figura lendária, o James Earl Jones, que é a voz da CNN e o Darth Vader, que eu já tinha encontrado, mas nunca tinha visto em cena. Embora veterano ele dá um show

Vibrante e versátil encontrando novos tons na figura de um antigo presidente americano que está morrendo de câncer e na dúvida de quem apoiar. Chegou mesmo em ser aplaudido em cena aberta com todo respeito.

Além disso, é um prazer se ouvir um texto inteligente de Gore Vidal, cheio de frases notáveis dignos de um Oscar Wilde. Claro que é coisa de teatro (hoje saiu uma reportagem no New York Times justamente comentando isso)!

Por acaso no dia era também aniversário de uma das estrelas do elenco, Candice Bergen. Que tem outras grandes frases além desta: Gosto de pensar que inteligência seja contagiosa. Infelizmente, não é !

Parece-me que é a primeira vez que Candice faz teatro. Ela se tornou uma senhora matrona e pesada, mas fez uma plástica que lhe devolveu o mesmo rosto bonito da juventude.

Ela faz a esposa separada do outro candidato que é John Larroquete, mas que voltou para apoiá-lo na campanha eleitoral.

Nem é preciso dizer que a peça foi montada porque este é o exato momento em que estão ocorrendo as convenções republicanas (a peça não diz qual é o partido, mas tudo indica ser o Democrata, até porque é uma licença poética ter tido um presidente negro nos anos 50, como seria o caso de Earl Jones. Ele só foi presidente americano num telefilme).

Toda a encenação é como se fosse a convenção e até as indicadoras de lugar usa um chapeuzinho das cores norte-americanas. Tem um locutor e as imagens ainda em preto e branco. Embora a maior parte da ação se passe nos apartamentos do hotel.

O, geralmente, humorista Larroquete faz com competência  o ex-secretário de Estado William Russell, que tem um defeito grave para político, não sabe e não gosta de mentir.

Culto e inteligente (ou seja, mais dois defeitos), ele não quer usar golpes sujos, mas é obrigado a agir quando o rival ameaça usar um arquivo médico que fala de seus problemas quando teve uma crise de nervos.

O elenco é enorme (28 pessoas) e hoje na Broadway quase não tem diferença de preço entre musical e peça normal, está tudo perto dos 150 dólares por ingresso (eu tive que pagar 200 por caixeiro viajante porque está lotando). Mas considerando o preço de shows no Brasil não há nada de se estranhar.

Deixa eu falar o, porém das decepções: O ponto fraco da montagem é a presença de Erin McCormack da série de TV Will e Grace, que é o político ambicioso. Fique mal impressionado com sua figura. Ele baixo, muito fraco, não tem porte ou presença.

É leve demais para fazer bandido e erra totalmente na escolha de como fazer o que seria o vilão, aquele que é capaz de tudo para vencer, usando todas as armas. Mas ele faz o personagem sem humanidade, já se vê que é bandido na primeira cena e vai assim até o final.

Pode ter sido a linha que lhe deu o diretor no caso Michael Wilson (nada de notável em seu currículo) porque a atriz que faz sua esposa (Kerry Butler, vinda de musicais como Xanadu, Catch Me If You Can) está caricata e ridícula.

Pode ser que o texto tenha muitas coisas datadas, mas achei ele pertinente, porque o mundo e a política como se bem sabe só piorou. Por que Gore não escreve mais para o teatro, é uma pena. Como foi um prazer confirmar minha admiração por Earl Jones e rever Ângela.

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O especial Katharine Hepburn vai ao ar hoje.

13h - LEVADA DA BRECA (Bringing Up Baby, 1938, classificação indicativa livre)

14h55 - NÚPCIAS DE ESCÂNDALO  (The Philadelphia Story, 1940,

17h - ADIVINHE QUEM VEM PARA JANTAR (Guess Who's Coming To Dinner, 1967,

Os filmes do Festival 

Levada da Breca/Bringing Up Baby. Preto e branco. 1938.Diretor: Howard Hawks

Elenco: Cary Grant, Katharine Hepburn, Barry Fitzgerald, Charles Ruggles, May Robson, George Irving, Fritz Feld, Ward Bond, Jack Carson. 

Sinopse: David, um paleontólogo que está para se casar conhece Susan, uma excêntrica herdeira que tem um leopardo, Baby (que o irmão trouxe do Brasil e que só fica calma quando ouve a canção I Can´t Give You Anything But Love). Susan está decidida a se casar com ele, de qualquer maneira.

Comentários: Uma das comédias mais famosas e queridas de Hollywood, originalmente da RKO (foi votada em décimo quarto lugar pelo AFI dentre as melhores de todos os tempos), considerada a obra-prima do gênero “screwball comedy” (comédia maluca) e que Bogdanovich tentou refazer com Esta Pequena é uma Parada (What´s up Doc?, 72) com Barbra Streisand e Ryan O´Neal.

A dupla nunca esteve melhor, muito bem conduzida por Hawks (seu timing de humor é um primor). Há muita energia, numa autêntica batalha dos sexos (e das estrelas), vários momentos memoráveis (inclusive com o célebre cachorro Asta, da série Thin Man). Sai numa cópia de boa qualidade (uma novidade é que coloca opção de dois tamanhos de legendas).

Não foi indicada a qualquer Oscar. O público atual não está acostumado com o gênero, com suas sutilezas e elegância, misturadas com o clima de farsa.

Núpcias de Escândalo/The Philadelphia Story. Preto e Branco. 1940. Diretor: George Cukor. Elenco: Cary Grant, Katharine Hepburn, James Stewart, Ruth Hussey, John Howard, Roland Young, John Halliday, Mary Nash, Virginia Weidler.

Sinopse: Ex-marido retorna para reconquistar Tracy, quando ela está para se casar com outro.

Comentários: Você deve conhecer melhor a refilmagem musical de 1956, chamada Alta Sociedade, com Bing Crosby, Frank Sinatra e Grace Kelly. Mas esta que é a obra prima. Uma deliciosa comédia Screwball, com um elenco excepcional, em plena forma.

De tal maneira que até James Stewart ganhou o Oscar de Melhor Ator (embora tenha sido um prêmio de consolação por ter perdido no ano anterior por A Mulher Faz o Homem). Ganhou ainda o prêmio de roteiro, e foi indicado também para Melhor Atriz (Hepburn), Coadjuvante (Ruth), Diretor e Filme.

Uma produção da Metro com que Katharine voltou a fazer sucesso (ela havia sido considerada veneno de bilheteria e para seu retorno, pediu para que o amigo Philip Barry lhe escrever especialmente esta peça, que montou com sucesso na Broadway. Depois impôs ao estúdio: só venderia os direitos com ela como estrela).

É uma lição de comédia com um timing perfeito, na história da milionária mimada que vai se casar com o homem errado. O ex-marido Grant vem com dois repórteres de uma revista de escândalo, tentando impedir as núpcias. Há ótimas piadas e coadjuvantes. 

Adivinhe QuemVem Para Jantar/Guess Who’s Coming to Dinner.108 min.Cor.1967

Diretor: Stanley Kramer. Elenco: Katharine Hepburn, Spencer Tracy, Sidney Poitier, Katharine Houghton, Cecil Kellaway, Beah Richards. Sinopse: Um velho casal liberal fica chocado quando sua única filha lhes apresenta o noivo: um negro.

Último filme de Tracy (1900-1967), que faleceu dias depois do fim das filmagens. Teve uma indicação póstuma ao Oscar, mas quem ganhou foi sua companheira, Katharine, que passa o filme todo com os olhos marejados de lágrimas.

É incrível que este filme tenha sido grande sucesso de bilheteria, em particular nos EUA, ao simplificar as situações. O negro é quase um super-homem: bonito, educado, rico, instruído etc. Além de tudo, Poitier era na época o número um de bilheteria. Sua pseudo-liberalidade envelheceu mal, mesmo como Love Story (o tema musical é uma antiga canção chamada Glory of Love).

A filha de Kate é, na vida real, sua sobrinha bonitinha na vida real, mas que não fez carreira. Também premiado com o Oscar de roteiro. Lançado como clássico.  Mesmo agora que se revela que o romance do casal era apenas fachada e farsa!

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Dificilmente se vê um documentário tão criativo, original e emocionante quanto este Uma Longa Viagem, que foi premiado no Festival de Paulínia (pela crítica) e Gramado (Melhor Filme, Melhor Ator, Melhor Direção de Arte, Prêmio do Júri Popular e Prêmio Estudantil).

Em geral todos os trabalhos da diretora Lúcia Murat tem um padrão alto de qualidade e empenho, mas nunca como aqui, onde ela conta uma história autobiográfica, relembrando sua própria vida e a de seus dois irmãos. Nos anos 70, Lúcia foi presa pela ditadura por seu trabalho de militante enquanto seus dois irmãos tomam caminhos diferentes.



O mais curioso é o do caçula que foi vai para Londres em 1969, enviado pela família para não entrar na luta armada seguindo os passos da irmã. Durante os nove anos em que viaja pelo mundo, ele escreve cartas. O documentário prossegue o release mostra os anos loucos, quando drogas, misticismo e rock’n’roll andavam juntos pelas estradas mundo afora. Contrapondo-se às cartas, os comentários em off da irmã e diretora, Lúcia Murat, o irmão fica marcado pelo uso contínuo de drogas, mas não perde nem a inteligência, nem a sensibilidade. Na verdade, ele é um incrível ator, no melhor sentido, fazendo com que a gente ria com ele e não dele.

Lucia é a narradora principal, utilizando fotos e imagens antigas, mas principalmente recriando as cartas e algumas situações através de sets e cenas especialmente montadas, usando com criatividade a interpretação do sempre bom ator Caio Blat. Não é como a maioria dos filmes um suceder de talking heads, cabeças falantes que falam sobre os assuntos.

Tudo é revisto pela sensibilidade da diretora, auxiliada pela fotografia, direção de arte, trilha musical. É uma revisão pessoal, mas também emocional e coletiva de mais de uma geração, um filme sobre a memória, a vida, a morte, a passagem do tempo. Um trabalho belíssimo e fora do normal que merece ser prestigiado.

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A dublagem nacional é competente embora tome certas liberdades discutíveis como dar sotaque nordestino a um dos piratas! Mas o filme merece todo o respeito porque, embora tenha alguma animação digital, por exemplo, o oceano e alguns detalhes como o monstro marinho e a baleia, ele é quase todo feito com a velha técnica de Clay animation, ou seja, tudo é movido quadro a quadro, lentissimamente e com imensa paciência. Também tem alguns problemas de targeting, já que seu humor é repleto de citações. A grande vilã é a Rainha Vitória do Império Britânico que se revela uma glutona que gosta de comer bichos raros!

 O outro é  justamente Charles Darwin, da Teoria das Espécies. E entre as figuras famosas de sua época que surgem de coadjuvantes estão a autora Jane Austen e o até o Homem Elefante! Portanto, tem muita coisa que não vai ser compreendido pelas crianças (a meu ver falta também mais música, fala-se tanto das canções dos piratas, mas elas não são mostradas). Mas apesar de tudo, assisti ao filme com crescente prazer e alegria, já que toda a tripulação de Piratas é atrapalhada e mesmo ingênua.

Ainda que tenha sentido no filme um sub-texto gay que me pareceu curioso (há, por exemplo, uma mulher que usa barba postiça e se faz passar por homem, um personagem intrigante que não é desenvolvido. Há também uma suspeita relação do capitão com seu imediato. Mas isso deve passar batido pelos menos atentos).

 O que fica é a brincadeira com o Capitão Pirata que deseja ser escolhido o Pirata do Ano, mas seus feitos são poucos e nada rendosos. Parece difícil conseguir isso até que o cientista Darwin identifica seu pássaro de estimação como o famoso Pássaro Dodô (a mais famosa ave extinta da história recente) que ele tenta levar de modo nada honesto para Londres, para concorrer a um Prêmio da Academia de Ciências. O problema, porém, é que a Vitória odeia especialmente Piratas!

Mais não é preciso dizer, o filme tem roteiro do autor original das histórias, Gideon Defoe, que escreveu The Pirates! In Adventure with Scientists e Adventure with Whaling. E tudo funciona muito, inclusive para adultos. O difícil vai ser conseguir convencê-los a assistirem ao filme, já que as crianças americanas não embarcaram (por lá não rendeu mais do que U$S 14 milhões, o que é muito pouco em especial para o gênero e 3D)!

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The Best Exotic Marigold Hotel - Inglaterra, 2012 (data de lançamento original). Direção de John Madden. Roteiro de Ol Parker baseado em livro de Deborah Moggach. Com Judi Dench, Maggie Smith, Tom Wilkinson, Bill Nighy, Penelope Wilton, Dev Patel, Celia Imrie, Ronal Pickup.Fox.

Com este se filme se aprimora um novo tipo de gênero de filmes que já via começando a acontecer, principalmente na sala Reserva Cultural de São Paulo. Se não tiver exibindo o filme, será um grande erro porque é a cara de seu público.

É o mais evidente e mais bem-sucedido filme indicado para espectadores da terceira idade, ou um pouco menos. Acho perfeito que o cinema seja multifacetado e tenha produto para todos os gostos, neste caso, o mesmo público Minhas Tardes com Marguerite vai se envolver neste projeto que é baseado em livro de Deborah Moggach (Tulip Fever e o roteiro de Orgulho e Preconceito) adaptado pelo também diretor Oi Parker (deImagine Eu e Você, Now Is Good).

Quem dirige é John Madden,que fez Shakespeare Apaixonado e que desde então não acertou mais nada o que nos leva a pensar que o resultado tenha sido influenciado por demais pelo produtor da então Miramax Harvey Weinstein. Seus outros filmes foram o fraco Capitão Corelli, A Prova, e os já esquecidos Tiro Certo e No Limite da Mentira. Mesmo aqui o mérito é do excepcional elenco e nem tanto dele, que deixa o filme meio desengonçado, impessoal. A história não deixa de ser interessante.

Um grupo de sete idosos de diferentes procedências, mas quase todos com problemas de dinheiro agora no fim da vida acabam se encontrando num hotel na Índia que dizia ser o lugar perfeito para eles passarem os anos cinzentos onde pouca coisa pode acontecer. Logicamente é uma fantasia porque qualquer pessoa com bom senso jamais iria para um país tremendamente quente, barulhento, onde elefantes e vacas tem mais respeito que ser humano.

Onde as facilidades médicas certamente seriam difíceis para estrangeiros, ao contrário do que o filme mostra, onde há dificuldade extrema para banho (e por isso odores terríveis, causados também pela mania de fazerem necessidades nas ruas e não tem papel higiênico). Pode ser alegre, feliz mas qualquer lugar onde ainda existem pessoas que são desprezadas apenas por sua casta social de intocável como mostra o filme esta muito longe de ser um paraíso. Neste caso é um rapaz que esta tentando salvar o decadente hotel que era de seu pai (o papel é feito com entusiasmo pelo rapaz de Quem Quer Ser um Milionário, Dev Patel) e tenta cuidar de seus convidados.

A protagonista é Judi Dench, que é também a narradora da história (porque tem um blog) que ficou viúva recentemente e tem que pagar dívidas do marido (que ignorava). Há também um casal conformado com a esposa megera e insuportável (ele Bill Nighy, ela Penelope Wilton), um juiz aposentado (Tom Wilkinson) com um segredo, um mal sucedido Don Juan sem dinheiro (Ronald Pickup) e uma mulher madura (Celia Imrie) que veio tentar conseguir marido.

Todos os atores são ótimos, mas não posso deixar de pensar como teria sido mais estrelar caso tivessem aceitado o papel os antes convidados, respectivamente Peter O´Toole e Julie Christie. O segredo do juiz é tentar reencontrar o amor de sua juventude, um indiano por quem foi apaixonado e que pensa que estragou a vida. Ele é bastante assumido como gay, mas nunca fez nada a respeito disso e esta parece ser sua última tentativa, num momento de bastante emoção.

Já que o filme afirma que é possível ainda o amor nessa fase da vida (Judi Dench é outra que tem um romance ainda que discreto, mas pelo qual a gente torce). Deixa-se de lado as coisas desagradáveis, como a comida apimentada que provoca dores de barriga, o que é resolvida numa pequena montagem de bom gosto, mas pouca verdade. Não faltam também os problemas locais, Dev tem uma namorada com quem transa, mas isso causa problemas com sua mãe conservadora que também deseja fechar o hotel.

Deixei de lado de propósito a figura mais marcante do filme que é a extraordinária Maggie Smith (duas vezes vencedora do Oscar, atual sucesso em Downtown Abbey, uma mestre da frase ferina). Ela faz uma mulher mal humorada que anda de cadeira de roda (precisa de operação no quadril), é xenófoba e racista (coisa comum na Europa) e trabalhou anos como governanta de uma casa, de onde foi dispensada sem maiores afetos. Agora é amarga e difícil.

É óbvio que sofrerá transformações, mas não tão evidente a maestria que a já veterana e nunca bela atriz tem de sua arte, que Maggie é sempre um show a parte e razão suficiente para ver o filme. Todas minhas restrições vocês perceberam, foram pelas liberdades que o cinema toma com a realidade quando justamente este é justamente o encanto maior dele. E ainda mais para uma idade que precisa de consolo e esperança. O filme que estreia esta semana também nos EUA é um veículo para esses maravilhosos atores que demonstram que talento não envelhece.

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Estreando no Brasil e no resto do mundo antes dos Estados Unidos, este videogame disfarçado de filme, na verdade, tem uma origem muito curiosa.

É uma adaptação de um jogo de tabuleiro muito antigo (não como eu cheguei a pensar daquele jogo Batalha Naval que eu brincava no ginásio!) que tinha a distinção de ser para valer, ou seja, a meta era realmente matar o rival não lhe roubar um terreno ou coisa que o valha.

Fizeram então esta variante que é basicamente um longo game, que lembra por demais Independence Day e qualquer outro filme de invasão de alienígenas, sendo que, com a variante atual, o ser humano não é só vitíma, nossos governantes são culpados porque no começo do filme se explica que encontraram um Planeta G (não de sexo) que fica a mesma distância do Sol que a Terra e que, portanto pode existir vida semelhante a nossa.

Isso não impede que eles mandem uns raios para lá, o que certamente provocou a retaliação. Agora os ETs é que estão invadindo a Terra com naves supermodernas e que vão parar no meio do Oceano, justamente estão acontecendo jogos de guerra.

Ou seja, a marinha americana está treinando seus homens, equipamentos, e justamente aí que entra a história central. Um sujeito chamado Alex Hopper é um cara rebelde e pretensioso, que não ouve os conselhos do amigo e irmão. Por isso está sempre se dando mal, principalmente quando tenta conquistar uma bela loira (Brooklyn), que é filha de um Almirante (Liam Neeson, que tem uma participação pequena no começo e  no final do filme).

Quem faz o papel principal é justamente aquele Taylor Kitsch que quase faliu a Disney (ao menos fez com que o chefão da empresa fosse mandando embora) com o mega fracasso de John Carter de Marte.

Percebendo isso ele deve ter pedido um favor para o diretor deste filme que é o Peter Berg, o mesmo que o revelou na série Friday Night Lights. E novamente não deixa uma impressão favorável, tem pretensões a ser Johnny Depp, fala tudo rouco e sussurrando porque deve achar mais sexy. Está melhor do que noutro filme, mas não se redime.

Temos que aguentar o Sr. Kitsch durante meia hora quando finalmente começa a aventura, quando ele tem a missão de tocar na nave inimiga que dali em diante irá atacar violentamente toda a frota americana.

Por que este é outro daqueles filmes que se deliciam em destruir o mundo, com destaque para Hong Kong. Mas politicamente ele abre para o Oriente porque há um rival oriental (ele brinca com ele a respeito do livro  Arte da Guerra), que eventualmente terá a ideia básica para enfrentar e vencer os ETs (não vão dizer que estou contando o filme já que a conclusão é óbvia).

Os efeitos são competentes como de hábito sendo que, desta vez, conseguem algumas variantes com as bombas e as naves, fora o fato de ocorrerem principalmente no Oceano. As mais interessantes parecem bolas de fogo, melhor dizendo bolas de fogos de artifício.  

Da cantora Rihanna não há o que dizer já que ela tem meia dúzia de frases ridículas e se esconde em um uniforme militar. Do filme também não guardei grandes lembranças a não ser a confirmação de que mais uma vez, a estética de videogame esta se tornando mais importante no gênero do que a do cinema.

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Chinatown (Idem) Blu-Ray (Brasil). Policial/Suspense. EUA, 1974. Produzido por Long Road/Paramount/Robert Evans. Direção de Roman Polanski. Roteiro de Robert Towne. Fotografia de John A. Alonzo. Música de Jerry Goldsmith. Elenco: Jack Nicholson, Faye Dunaway, John Huston, John Hillerman, Perry Lopez, Diane Ladd, Roman Polanski, Darrell Zwerling, James Hong, Bruce Glover, Burt Young, Lance Howard. Cor. 130 min Áudio e Legendas: Inglês, Francês, Português, Espanhol.

Sinopse: Em Los Angeles, em 1937, o ex-policial que era sediado em Chinatown, agora detetive particular Jake (J.J.) Gittes é contratado por uma mulher para investigar seu marido que trabalha na Cia que traz água e força para a cidade. Um caso aparentemente simples que aos poucos se complica, quando se descobre que ela não é a esposa.  

Comentários: Junto com Ladrão de Casaca, estes são os dois primeiros filmes clássicos da Paramount que estão sendo lançados aqui no Brasil em Blu-Ray para comemorar o centenário dos estúdios da Paramount. Ambos têm notável qualidade de imagem e respeito ao original e merecem um lugar na sua coleção. Eu assisti ao filme pela primeira vez numa viagem a Buenos Aires e não gostei, já era crítico e não me conformei com minha atitude. Depois fui ver de novo e percebi que havia reagido como espectador comum, que rejeita um final não-feliz tradicional, quando este era justamente uma das maiores qualidades do filme, fugir do convencional. Acabei fazendo a crítica favorável na certeza hoje comprovada que este era um dos melhores filmes da época, e provavelmente a obra prima do gênero. Difícil de classificar, meio suspense, meio policial, muito mais próximo do film noir dos anos 40, até mesmo com sua resolução trágica e pessimista.

Muitos diretores já sonharam em fazer um film noir moderno, ou seja, colorido, com técnica atualizada, mas respeitando o clima fatalista e em voga no cinema americano dos anos 40. Estranhamente, foi um polonês, Roman Polanski, que chegou mais perto com essa fita. Ela tem uma moral extremamente ousada, afirmando que “nas circunstâncias certas, qualquer pessoa é capaz de cometer qualquer coisa, seja crime ou pecado”. Recusando a facilidade,  é uma fita longa, complicada, com uma história cheia de meandros e reviravoltas que nem sempre o público é capaz de acompanhar. Aliás, exatamente como deve ser um autêntico film noir.

O título é um pouco enganador, o máximo que se vê do bairro chinês são alguns letreiros e um pedaço de rua (a Chinatown famosa é a de São Francisco e não a de Los Angeles onde se passa a história). É muito boa a ideia dos letreiros em preto e branco com a tela na proporção antiga e não widescreeen, para só depois passar para o colorido, ainda assim, Polanski usa somente tons pastéis e cores neutras, como se estas fossem realmente as cores da década de 30, da Depressão. A música está igualmente bem colocada. O belo tema de amor, só aparece quando o relacionamento dos personagens se torna mais sério. Aliás, se sabe hoje que o diretor recusou a trilha musical original, por sugestão de seu amigo compositor Brosnilau Kaper que a achava muito ruim. Contrataram o famoso Jerry Goldsmith, que fez a trilha em apenas nove dias, de uma incrível simplicidade, basicamente apenas um tema de pistom. Mas que marcou o filme.

Trechos da trilha original de Philip Lambro ainda podem ser ouvidos no trailer do filme. A direção de Polanski é sem truques, limpa, direta e ganha muito quando se fixa nos atores. Ele gosta de cenas longas com poucos movimentos da câmera, mas adota sempre o ponto de vista do herói, quase sempre só sabemos o que ele sabe e vê. Por isso que Jake é filmado com tanta frequência de costas.  Há algumas cenas que se tornaram antológicas: o momento de amor no banheiro, a confissão aos tapas (que foram dados de verdade, quando não dava certo de outra maneira), o tiroteio final. John Huston, que na década de 40 fez a reputação em fita do gênero como A Beira do Abismo e Relíquia Macabra, interpreta o velho Noah, como se fosse quase como uma homenagem a ele.

O roteiro mistura corrupção política com crimes misteriosos, capangas sanguinários e finais surpreendentes. O detetive particular Jake Gittes, está na tradição do gênero: é honesto, tem seu código de honra e uma amargura no passado. Mas também é ingênuo (embora se ache muito esperto).  É curiosa a ideia de fazê-lo usar um curativo no meio da cara em grande parte da fita. Gosto particularmente da frase final: “Esqueça, é Chinatown!” Mas as revelações finais foram na época chocantes, tornando o filme um estudo sobre as aparências. Nada é aquilo que parece ser, por trás de cada rosa, há o estrume que a faz crescer. Tal profundidade, tal fatalismo é fácil de se entender vindo de uma figura tão sofrida, tão soturna como Polanski. Este foi o filme que consagrou definitivamente Nicholson e trouxe outro belo trabalho de Faye Dunaway superando uma maquiagem ingrata e um personagem difícil (ela orientalizou seu rosto, enfeiando-o, usando um tipo de maquiagem que ela copiou de sua própria mãe). Ao ver o filme, a gente sente exatamente a emoção de se perder um amor, seja aqui ou em Chinatown.

Conta o roteirista Robert Towne (que fez depois Shampoo, Dias de Trovão, Missão Impossivel 1 e 2) num featurette nesta edição que a ideia do filme surgiu quando conheceu um policial que era sediado em Chinatown, mas tinha ordens de não intervir ou interferir em nada. Por isso que escolheu o lugar para ser pano de fundo.  Certa época ele e Jack Nicholson haviam morado juntos e trocaram muitas ideias sob o projeto que originalmente seria uma trilogia sobre a cidade de Los Angeles, começando em 1937 e terminando em 1953. A intenção é que elas fossem feitas com o intervalo certo entre elas (ou seja, os atores envelheceriam assim como os personagens). Mas cada vez que pesquisava o assunto, Towne ia descobrindo mais absurdos e escândalos, na administração de LA (que sempre foi famosa por ser muito corrupta, tanto na policia quando dentre os políticos).

Para se ter uma ideia, nesta edição há um extra de uma hora e quinze sobre o tema, dissecando o assunto e mostrando Town e visitando o aqueduto original. Basicamente, houve uma negociata. Os políticos resolveram ir buscar águas nas montanhas de Sierra Nevada/Owens Valley e trazerem a água para a cidade, tornando o lugar original um deserto e lesando os fazendeiros locais (de quem compravam as terras a preço de banana). É isso que o filme denuncia e que pode ser complicado para o leigo entender. O documentário é longo demais e tem uma trilha muito chata, mas ao menos deixa tudo muito explícito. Era nesse tipo de jogada que está envolvido no filme Noah (Huston), o pai da heroína. Dizem mesmo que o roteiro foi aprovado pelo município porque eles tinham certeza de que o filme nunca conseguiria ser feito. Considerando que Los Angeles fica entre o oceano e o deserto a água é de fundamental importância até hoje. Ou ainda mais hoje em dia.

Towne afirma que sua motivação não foi política, mas poética, pois sentia a falta dos odores, das coisas da infância que a cidade perdeu. Uma história sobre a futilidade das boas intenções. Towne na época recusou fazer o roteiro da adaptação de O Grande Gatsby, do produtor Robert Evans (Chefão) e o convenceu a fazer este projeto (ajudou que todos eram amigos próximos) trazendo de volta aos EUA o diretor Roman Polanski, que não queria voltar aos Estados Unidos porque lhe trazia lembranças da sua mulher Sharon Tate que fora assassinada quatro anos antes. Com relutância veio e aos poucos se envolvem na historia. Fechou-se durante seis semanas com Towne e assim mexeram no script. Eles não concordavam em algumas coisas. Polanski insistiu num encontro amoroso do casal para que tivessem intimidade e num final que não fosse feliz.

Na verdade, no original havia uma narrativa em off por parte do Detetive (que foi eliminada) e no clímax Faye matava o pai. (CUIDADO SPOILER). Foi Polanski que impôs que a cena final fosse em Chinatown (o que provocou a frase famosa) e terminasse daquela maneira (uma das coisa mais fortes do filme é a resolução da trama, coisa rara no cinema mesmo hoje  em dia, ou, principalmente hoje em dia onde tudo ficou mais careta e moralista).

Na cena final, a de transição teve que ser improvisada por Jack na última hora. Como diz Polanski, na vida real, muitas vezes o culpado sobrevive e não há justiça. Se fosse um final feliz, tudo seria esquecido no jantar depois do cinema. Desta forma, o espectador sai pensando perturbado e nunca vai esquecer o filme. Deu algo para eles pensarem.

Polanski elogia nas entrevistas todo o elenco inclusive Faye Dunaway com quem teve brigas homéricas.  Ela se comportava como Diva, mas o clímax foi quando na cena do jantar no Brown Derby havia uns fios de cabelo que ficavam espetados e atrapalhavam a fotografia. Ele acabou por arrancá-los e Faye fez um escândalo e gritaria que forçou o fim das filmagens naquele dia. Polanski lembra também que ele começou a rodar com o veterano Stanley Cortez que foi mandado embora porque era lento demais e substituído por John Alonzo. Mas que ele não se incomoda muito com iluminação, só faz questão absoluta de que fazer os enquadramentos, para ele a coisa mais importante do filme.

Voltando a Faye, ela não aprovava os métodos grosseiros do polonês e ele reclamava dela por causa dos atrasos da maquiagem e mudanças no diálogo. Ali MacGraw estava prevista para estrelar o filme, mas quando largou o marido produtor Robert Evans por Steve McQueen foi despedida da fita. Jane Fonda recusou o papel. Polanski que era ator desde os tempos de moleque na Polônia faz uma ponta marcante e eficiente como o gângster, todo vestido de branco e é chamado de anão e corta o nariz do herói (no making of explica como foi feita a cena).

Nicholson, conseguiu fazer em uma única tomada, a famosa cena em que ele é levado pela água do reservatório. Robert Towne ganhou o único do filme, o  de roteiro. A fita foi também indicada como Melhor Filme, Direção, Fotografia, Música, direção de arte, figurino, montagem, trilha musical, Som Ator e Atriz. Ganhou Bafta de ator, direção e roteiro, Globo de Ouro de filme, ator, direção e roteiro. Este foi o último filme de Polanski nos EUA,  antes que pudesse completar outro, teve que fugir do país para não ser preso pela sedução de uma menor (e até hoje nunca mais pisou lá, morando desde então em Paris). Chinatown todos concordam não conseguiria ser feita hoje em dia. Os produtores obrigariam a ter um final feliz e uma conclusão mais amena.  O próprio Jack Nicholson estrelaria e dirigiria a continuação tardia em 1990, A Chave do Enigma (The Two Jakes) que foi um grande fracasso.

Eis o que eu pensei do filme: A Chave do Enigma (The Two Jakes, 1990).137 min.Cor.Paramount.Diretor: Jack Nicholson

Elenco: Jack Nicholson, Meg Tilly, Madeleine Stowe, Harvey Keitel, Frederic Forrest, Ruben Blades, David Keith, Eli Wallach, Richard Farnsworth ,Perry Lopez ,Tom Waits.

Sinopse: Depois da Segunda Guerra, o investigador particular Jake Gittes enriqueceu, ficou mais respeitado e ainda honesto. Encontra um cliente chamado também Jake (daí o título original, Os dois Jakes) que deseja dar um flagrante na esposa infiel. Mas há surpresas.

Comentários: Decepcionante continuação do clássico Chinatown (1974), de Polanski, que durante anos foi planejada e finalmente realizada pelo astro Nicholson (em seu terceiro e último filme como diretor). Mas errou a mão. O roteiro de Robert Towne, o mesmo do original, é por demais confuso e enrolado, quase impossível de acompanhar na mistura de nomes e fatos.

Quem não viu o primeiro terá dificuldade de entender bem as reviravoltas da trama. Parece que Jake Gittes nunca esqueceu o amor de Evelyn (Faye Dunaway que morreu no fim da outra fita). O outro Jake mata o amante da esposa (que também era seu sócio) e começa a suspeita de armação, com a polícia pedindo para entregar uma gravação e a suspeita de que o caso envolva também a filha de Evelyn. Não é difícil descobrir sua identidade (a cena final é dispensável, mas o filme teve várias sequências refeitas, talvez impostas pelo estúdio). Mesmo o elenco está irregular numa fita decepcionante, difícil de seguir e que foi fracasso. Destaque para a bela fotografia e direção de arte, que conseguem passar um clima de época.

Curiosidades:

Roman Polanski recusou o tom avermelhado e escuro no estilo Chefão que o produtor Evans quis impor. A frase “Esquece  Jake, é Chinatown” foi votada como a 74ª frase mais famosa do cinema pelo American Film Institute.

Na lista dos melhores de todos os tempos ficou em vigésimo primeiro e no gênero mistério ficou em segundo lugar.

Alguns elementos do roteiro original foram incorporados ao filme Roger Rabitt, que deu uma visão de fantasia do mesmo material.

Só duas cenas fotografadas por cortes estão no filme (a luta no laranjal e a volta de carro para Los Angeles no pôr-do-sol).

O título enigmático já foi explicado como querer dizer “fracasso, má sorte, ou uma coisa que você não consegue entender direito”.

O roteiro hoje em dia é considerado um dos mais perfeitos e usados em escolas e seminários.

Na época da filmagem Jack Nicholson estava de caso com a filha dele, Anjelica Houston. Numa cena, Noah (Huston) pergunta para Jack “o senhor dorme com minha filha?”.

Polanski não queria cortar seu cabelo longo para sua cena no filme.

Voltando à edição, ela tem muitos extras além dos mencionados: Chinatown : Começo e o Fim, Filmando Chinatown, O Legado de Chinatown. Mais comentário do roteirista com o diretor David Fincher, trailer de cinema e uma avaliação. 

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No fim de semana, me preparando para viajar consegui adiantar alguns filmes que estavam em casa para assistir. E finalmente me lembrar de comentar com vocês sobre a minha série de tevê atual preferida. Estou falando do Sherlock Holmes britânico, que é estrelado pelo Benedict Cumberbatch que é sem dúvida o astro do momento na Inglaterra. Também vi ontem a entrega do Prêmio Olivier, o Tony britânico onde ele ganhou como Melhor Ator – empatado com o ex-marido de Angelina Jolie, Jonny Lee Miller, ambos fazendo o médico e o monstro de uma montagem de Frankenstein.

Já falei deste Benedict, que é um sujeito alto (aparenta mais do que os confessados 1m 84), filho de casal de atores, ruivo e que parece ter sido finalmente descoberto. Tem já trinta e tantos anos (nasceu em 1976) e neste momento esta terminando a segundo parte de The Hobbit, There and Again, parece que usam apenas sua voz e rodando o novo Star Trek onde irá fazer o papel do Kahn! Tem uma carreira muito longa que inclui Cavalo de Guerra, O Espião que Sabia Demais, A Informante, Criação, A Outra, Desejo e Reparação, Jornada pela Liberdade, filmes inéditos aqui (Wreckers (2011), Third Star (2010), Four Lions (2010) e muitos telefilmes (onde já viveu Van Gogh e até Stephen Hawking).

Não é um galã, mas por isso mesmo tem se dado bem em papeis característicos. Mas eu gostei mesmo foi da série Sherlock (2010-12), que ele tem rodado a moda inglesa (apenas três longas por temporada, junto com o piloto. Existem disponíveis para download um total de sete). Não se parece nem tem muito a ver com os longas com Robert Downey Jr e Jude Law. Ao contrário, é uma versão atualizada, passada no momento presente, em que Sherlock é mais perturbado e difícil ainda do que costume.

Sempre partem de uma historia já conhecida escrita por Conan Doyle. Um Escândalo na Belgrávia, Os Cães de Baskerville, Um Estudo em Vermelho e até mesmo The Reinchenbach Fall, aquele onde ele enfrenta o arquiinimigo Jim Moriarty, feito por Andrew Scott, com quem pula para a morte. O episódio conclui com Holmes vivo, mas sem dar mais explicações.

Quem faz o Dr. Watson é Martin Freeman (seu Paul saiu agora em Home Video), que é justamente o que estrela The Hobbit como Bilbo Baggins, e para mim se revelou com Todo Mundo Quase Morto, o clássico de zombie. A linguagem é moderna, o roteiro engenhoso, a direção divertida. Eu recomendo com entusiasmo que vocês descubram a série e os atores. Mesmo desculpando minha impressão de que o que vem da tevê inglesa é sempre mais original e interessante do que o similar americano. Confiram.

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Paramount. 14 anos. Direção: Alfred Hitchcock

Elenco: Grace Kelly, Cary Grant, Jessie Royce Landis, Brigitte Auer, Charles

Vanel, John Williams, Georgette Anys, Jean Martinelli, Roland Lesaffre.  

Sinopse: John Robie, o Gato, é um ladrão de joias aposentado que vive na Riviera Francesa. Torna-se suspeito quando começam a acontecer assaltos usando seu estilo e  é obrigado a voltar à ativa para provar sua inocência.

Comentários: Este foi o primeiro filme de Hitchcock (1899-1980) que realmente me marcou quando ainda era bem criança. Já tinha assistido outros filmes dele , em particular Janela Indiscreta, imediatamente anterior e que hoje considero sua obra-prima. 

Mas este era mais aventura, mais suspense, rodado em locações autenticas na Riviera francesa e tinha perseguições e fazia jus ao apelido dele de mestre do suspense. Incluindo um final inesperado (hoje, claro, que nem tanto) e a presença deslumbrante de uma Grace Kelly (1929-82), no auge da beleza, charme e elegância.

O filme foi dos primeiros rodado pelo processo de Widescreen (o inicial foi Natal Branco, mas este aqui foi feito com muito exterior na Europa!), o Vistavision (que era a resposta do estúdio ao Cinemascope da Fox).

O segredo dele era fazer a película correr horizontalmente (e não na vertical) e assim aumentava o campo fotografado (dava até para dois fotogramas por vez).

O resultado era que o foco não ficava apenas naquilo que era fotografado num primeiro plano, mas também todo o background. E justamente por causa disso que ele resulta tão bem agora em Blu-ray.

A imagem está nítida, clara, e só senti um pequeno problema numa ceninha (quando Cary Grant está no telhado já no fim do filme). Mas, em geral, até as cenas de back-projection (projeção de fundo) estão funcionando e não parecem falsas (talvez seja bom explicar que, na época, para cenas de diálogos, os diretores preferissem rodar esses momentos mais íntimos, que exigem melhor qualidade de som no conforto de um estúdio, com uma tela projetando as imagens que dão a impressão de movimento). Em filmes posteriores de Hitchcock como Marnie, ele ficou descuidado.

Mas aqui  metade do filme foi feito em externas e outra metade na própria Paramount.

Um dos extras mais interessantes desta edição mostra um “travelogue”, com um mapinha da região (que vai de Nice a Cannes, enquanto Mônaco só é mostrado de longe). E localiza os lugares onde foi feito o filme dando também alguns detalhes turísticos.

Como eu fui muitos anos ao Festival de Cannes, em geral, eu chegava um pouco mais cedo e aproveitava para viajar naquela redondeza  e conheci justamente tudo que o filme mostra. Nice, a maior cidade da região (e que me lembrava a Santos de minha infância!), a estrada muito estreita e perigosa que eles chamam de La Grand Corniche, a ponte de Eze (caminho já para a Itália), toda a região montanhosa do rio Loup (Lobo) onde se plantam flores para fazer perfumes, a cidade de Cagnes Sur Mer (onde foi feita a cena do cemitério). E principalmente Cannes.

Este é um dos filmes onde melhor mostra o hoje lendário e centenário Hotel Carlton, onde são usados também os salões e saguão de entrada.

Cheguei mesmo a me hospedar no Carlton e durante esses anos estive com frequência lá acompanhando palestras e entrevistas, às vezes também na faixa de areia (que não mudou muito do que mostra o filme, aliás, numa cena com Grace e Cary Grant dá pra se ver atrás o antigo Palácio do Festival, que foi derrubado absurdamente). Ou seja, me provoca saudade e até certa melancolia.

Hitchcock escolheu justamente aquela região porque ele desde quando ainda morava na Inglaterra habitualmente passava férias por lá.

A rodagem seriam quase férias pagas pelo estúdio, quando aproveitava a qualidade da comida mediterrânea local (Hitchcock era um gourmet e se pode confirmar isso, por alguns detalhes: as frequentes conversas em seus filmes sobre comida e seu ódio por ovos (fritos em particular) que ele detestava e que aqui surgem duas vezes (numa delas, Jessie apaga um cigarro neles).

A maior falha desta edição (que usa extras também das anteriores de 2009 e 2002), é nem sequer mencionar o fato histórico e celebre de que foi por causa deste filme que Grace visitou a região e acabou conhecendo o Príncipe Rainer e se tornaria mulher dele e Princesa de Mônaco (na verdade, foi por causa de uma reportagem para a revista Paris Match e bolada por Pierre Galante, marido da estrela Olivia de Havilland).

Enfim, os dois se conheceram e Rainer queria uma figura famosa para casar e que ajudaria na divulgação do pequeno principado que vive do jogo no famoso Cassino de Monte Carlo (nome que também designa o lugar).

O resto é histórico, Grace largou o cinema depois de O Cisne e  Alta Sociedade (56) e nunca mais voltaria (Hitchcock nunca se conformou com isso e o resto da vida passou tentando convencer Grace a retornar, quase conseguiu isso com Marnie.

Mas teve que voltar atrás quando os cidadãos de Mônaco foram contra. Então procurou uma nova Grace Kelly na figura de Tippi Hendren, que nunca chegou a seus pés.

Grace havia substituído Ingrid Bergman no coração de Hitchcock e fez com ele três filmes (Janela, este e o anterior Disque M para Matar). Era uma atriz delicada e ganhou um Oscar discutível por Amar é Sofrer (dizem que Judy Garland que deve ter levado o prêmio).

Outra coisa que a edição não mostra é que a morte de Grace Kelly, num acidente de carro ocorreu justamente ao lado do lugar onde ela faz o piquenique com Grant e louva a beleza da vista (também estive lá e  na verdade fica num perigoso barranco e foi milagre o carro não despencar).

A versão oficial da tragédia diz que Grace teve um AVC que provocou o acidente do carro e a morte. Não parece ser verdade a versão de que a filha princesa Stephane estivesse dirigindo sem habilitação. Enfim, sua morte prematura confirmou a lenda da única estrela/princesa americana.

Por tudo isso que este filme tem a fama de ser o trabalho que Hitch menos gostava simplesmente porque lhe fez perder a sua estrela preferida, por quem estaria até secretamente apaixonado. Foi chamado de “Champanhe Hitchcock”, uma fita de romance e suspense, rodada num estilo que lembrava fitas de ladrões galantes como Arséne Lupin e que depois seria imitado em filmes como Charada e Arabesque, ambos de Stanley Donen.

Cary Grant aos 50 anos já pensava em se aposentar mas o sucesso do filme deu novo vigor a sua carreira (na época o estúdio tinha medo de ter um romance entre ele e uma garota com metade da idade, o que nem passa  pela cabeça do espectador, até porque é sempre ela que dá em cima dele).

Grant faz o herói com seu charme habitual, um americano que era de circo e se tornou famoso ladrão, depois membro da resistência anti-nazista, passou tempo na prisão e se reformou.Vive isolado numa casa na montanha e se aborrecer quando alguém comete crimes usando seus métodos.

Quem faz o dono de restaurante que era velho amigo dele é o muito veterano ator francês Charles Vanel (1892-1989), famoso por O Salário do Medo. Ele dizia os diálogos foneticamente e teve que depois ser dublado por outro.

Também tem papel importante a francesa Brigitte Auber (1928), que nada a ver com a Bardot, que não fez a carreira que pretendia mas chegou a aparecer em O Homem da Máscara de Ferro, com Di Caprio em 98).

É curioso que, na cena do mar, Grace insiste que Brigitte é muito mais nova que ela. Quando na verdade, a francesa tinha um ano e meio a mais e aparentava isso! Quem rouba o filme é a atriz de teatro que faz a mãe de Grace, a divertida Jessie Royce Landis (1896-1972), que mais tarde seria a mãe de Grant em Intriga Internacional, também de Hitchcock. Uma mulher muito engraçada que deveria ter tido melhor chance em outros filmes.

O filme é valorizado por um roteiro sofisticado de John Michael Hayes (1919-2008) que fez também fez Janela Indiscreta, O Homem que Sabia Demais, A Caldeira do Diabo, Infâmia, Disque Butterfield 8. Seu forte eram os diálogos e Hitchcock brigou muito com a censura para conservar várias frases e momentos de duplo sentido.

Um deles em que Grace pergunta se prefere coxa ou peito foi improvisado pelo casal. Mas não outros que hoje dão ao filme um tom de screwball comedy (comédia maluca) dos anos 30. Tem vários desses momentos marcantes: quando Grace da um beijo inesperado na porta do seu quarto, quando provoca Grant mostrando apenas suas joias, quando os dois se beijam e os fogos explodem como se fossem orgasmos (desde sua estreia era muito clara a metáfora superimitada posteriormente).

O título original confesso que nunca tinha me dado conta  é inspirado no velho Axioma: "É preciso ser ladrão para prender um ladrão”, que por sinal é bem ilustrado pelo filme.

Outro ponto alto do filme é a fotografia em technicolor de Robert Burks (1909- 68), que por este filme ganhou um Oscar da Academia e que consegue criar clima e emoção, principalmente nas famosas cenas de perseguição pelos telhados e logo no começo com imagens subliminares do verdadeiro gato. Burks foi também dos primeiros a usar imagens fotografadas por helicóptero (que funcionam lindamente no filme).

Basta dizer que este foi o quinto filme dele com Hitchcock e que também iluminou Janela Indiscreta, Um Corpo que Cai, Pacto Sinistro, Intriga Internacional, Os Pássaros e o filme com o diretor Marnie. Ou seja, um gênio.

A minha surpresa foi constatar como é boa a trilha musical do filme embora tenha sido feita por um compositor quase desconhecido chamado Lyn Murray (1909-89) – que nunca fez nada de extraordinário, nem com As Pontes de Toko Ri, tendo trabalhado mais para a teve (como em Dragnet).

Ele foi também a pessoa que apresentou Hitchcock para aquele que viria a ser seu compositor mais marcante, Bernard Hermann (logo a seguir). Uma curiosidade: na sequência do mercado das flores havia no roteiro uma perseguição ainda com uma espécie de desfile de Carnaval e Cary se escondendo dentre de um carro alegórico com a cabeça de Netuno.

 Mas iria custar muito caro e foi cancelada. A ponta tradicional do diretor desta vez é dentro de um ônibus de interior onde entra Cary, senta-se na última fileira do lado de uma gaiola com passarinhos, a câmera corrige para a direita e lá está Hitchcock.

Falando de pássaros, a neta dele conta que os periquitos que aparecem no filme The Birds, Hitch deu de presente para ela. Mas os dois se odiavam e acabaram se matando, voando pena para tudo que é lado!!

A edição traz ainda um featurette sobre Edith Head, a brilhante figurinista e recordista de Oscars (ganhou oito e aqui foi apenas indicada embora algumas das roupas de Grace tenham se tornado ícones). Edith usava sempre óculos escuros com a desculpa de que com eles podia ver em tom azul o que ajudava em filmes em preto e branco.

Outro bem interessante Uma Noite com Hitchcock, mostra uma entrevista com a filha única de Hitchcock e sua neta na Universidade de Southern Califórnia com o professor Drew Casper.

Entre outras coisas, elas dizem que o filme favorito dele era A Sombra de uma Dúvida, que este admirava Cecil B. De Mille e Steven Spielberg, que o adorava contar piadas sujas, que realmente preparava tudo antes, que era um péssimo motorista, que não lia críticas que só se importava com que o público pensava e que era um excelente pai e homem de família. E que imaginem só ele quase que fez Confidências a Meia Noite, com Doris Day!

Houve ainda uma terceira indicação ao Oscar para direção de arte, feita pela equipe do estúdio.

 Traz ainda como extras: A Censura em Hollywood (sobre como funcionava o sistema de auto censura na industria do cinema), Cary Grant e Grace Kelly (sobre a carreira dos astros),  Alfred Hitchcock – Uma Avaliação/ Writing and casting of To Catch a Thief (escrevendo e escolhendo o elenco do filme), Making-of featurette Alfred Hitchcock e Ladrão de Casaca (todos com depoimento da filha e neta dele, estudiosos), trailers, galerias de foto, o featurette uma Apreciação e o comentário em áudio do professor Casper. 

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O que não há dúvida que Marlene ou Marlena foi uma das maiores lendas do século vinte, famosa primeiro como O Anjo Azul, a grande rival de Greta Garbo, depois como uma das mulheres mais glamurosas do mundo, dona de uma das pernas mais perfeitas do cinema até finalmente ser promovida como a avó mais charmosa (e com as mais belas pernas!).

Foi uma longa carreira, cheia de mistérios e romances, ao menos 35 anos de estrelato absoluto. Até porque Marlene sempre contribuiu para o mito, inventando histórias e mascarando a verdade. Hoje já se sabe da data real de seu nascimento, foi realmente em Berlim, em 1901, isso quer dizer que quando foi para os Estados Unidos,  já estava com vinte e nove anos, bastante para iniciar uma nova carreira.

E não era uma novata como afirmava, quando foi descoberta por Josef von Sternberg, ao contrário, era veterana de uma longa carreira no teatro e até mesmo no cinema onde participou de ao menos 12 filmes antes de virar estrela internacional.

 Hoje, domingo, relembramos os vinte anos de sua morte e  sua ilustre carreira (faleceu em 1992, em maio, quando estava acontecendo já o Festival de Cannes onde seu rosto por coincidência estava no pôster do Festival).

 Hoje não há mais dúvida, após o livro de sua única filha Maria Riva que conta tudo. Marlene Dietrich era realmente bissexual, seu charme, encanto e sensualidade não era limitado aos homens, de quem ela gostava e muito. Mas também  distribuía seu carinho e atenção democraticamente entre as mulheres.

O interessante é que é difícil encontrar alguém falando mal de Marlene. Maternal, ótima cozinheira, amiga de confiança, ela foi mais do que uma estrela, durante a Segunda Guerra Mundial, praticamente largou a carreira para se dedicar inteiramente à luta contra o nazismo.

Isso, apesar de Hitler, seu admirador ter lhe oferecido a honra de ser a grande estrela de seus domínios. Não era judia, mas não apenas recusou como passou a correr riscos cantando para soldados em campos de batalha aliados arriscando a vida. Em sua vida particular, porém, nada era certo. Marlene, muito antes de Madonna, era capaz de se reinventar, se auto-fabricar com facilidade.

Ela já tinha quase trinta anos quando foi descoberta por Josef Von Sternberg para estrelar O Anjo Azul e convenientemente esqueceu de que tinha um marido, uma filha e uma longa carreira.

Levada para os estúdios da Paramount, Marlene perdeu peso e em mais seis filmes com seu mentor, aprendeu tudo sobre iluminação e figurino. Criou um mito meio andrógino. Por exemplo, em Marrocos, seu primeiro filme americano, ela beijou uma mulher na boca e ninguém se chocou muito.

Foi também a primeira mulher a vestir calças compridas em público, o que nos anos trinta era um absoluto escândalo. Quando os filmes com Sternberg acabaram ficando sofisticados demais, mais forma do que conteúdo, ela  resolveu o problema tentando outros diretores.

O amigo Lubitsch a dirigiu em Anjo, mas o resultado foi ainda mais pretensioso e mal em bilheteria. Foi preciso Marlene mudar de gênero, fazer comédia ao lado de James Stewart, no faroeste Atire a Primeira Pedra, onde criou outra nova canção memorável, See What The Boys  in The Back Room Will Have.

Aliás, se você prestar atenção, Marlene não tinha grande voz, mas sabia usar seus poucos recursos, quase dizendo as palavras, mas também seguindo uma velha tradição do cabaret alemão.

Houve outros filmes memoráveis como Desejo, produzido por Lubitsch, mas dirigido por Frank Borzage, conhecido pelos melodramas com Janet Gaynor. Foi em 1936, uma comédia romântica, sobre uma glamorosa ladra de joias que durante uma viagem se apaixona por um americano negociante de carros, um outro grande astro, Gary Cooper, e os dois acabam se perseguindo através de toda a Europa, obviamente toda construída nos estúdios da Paramount como era costume na época.

Foi esse o filme que demonstrou o inesperado, Marlene tinha senso de amor. Não era apenas uma deusa do sexo, sabia também brincar com isso. É umas qualidades que a torna um mito intocável do cinema.

Voltando a seu filme chave, O Anjo Azul,  o longa que criou a lenda. Na verdade, a fita  foi feita como veículo para o ator alemão Emil Jannings, que já havia ganhado um Oscar.

É a história de um austero professor que tem sua vida arruinada quando se apaixona por uma cantora de cabaré chamada Lola Lola. Quem dirigiu foi o mentor de Marlene, o austríaco Josef Von Sternberg, que a descobriu numa peça teatral e a lançou no cinema.

Era o princípio do cinema falado e foi rodado em duas versões, em inglês e em alemão, e com várias inovações técnicas que liberavam a câmera da ditadura do microfone. A Marlene do filme é um pouco mais gordinha do que nos filmes posteriores.

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* Afinal de contas a festa do Oscar não vai mudar de lugar. Anunciaram esta semana que renovaram o contrato com o antigo Kodak Theatre (e desta vez por 20 anos!), que por sua vez deverá mudar de nome para Dolby Theatre (a famosa Companhia de Som).

* Morreu no sábado, dia 28, aos 54 anos, o compositor de trilhas Joel Goldsmith (1957-2012), que era o filho mais velho de outro compositor, esse sim, realmente importante, Jerry Goldsmith (1929-2004), que fez clássicos como Sete Dias de Maio, Star Trek - Nova Geração e ganhou Oscar por A Profecia.

Mas teve 17 indicações (entre elas, por Chinatown, Mulan, Meninos do Brasil). Joel, mais modesto, escreveu basicamente para séries de TV e foi indicado ao Emmy por Stargate Atlantis e SG 1.

* Foram anunciados esta semana os indicados para o prêmio Tony da Broadway. Para aproveitar este momento estou viajando para lá na próxima semana e mandarei as novidades aqui para o blog.

O líder das indicações foi a adaptação do musical irlandês Apenas uma Vez/ Once, 06,  (que também levou Oscar de canção), Falling Slowly. Curiosos são as esnobadas, já que deixaram de dar indicações para Matthew Broderick (Nice Work If You Can Get It), Ricky Martin e a argentina Elena Rogers por Evita, Angela Lansbury por The Best Man, Samuel L.

Jackson e Angela Bassett pelo ótimo The Mountaintop, o  revival de Godspell,  Alan Rickman pela comédia Seminar e a nova versão de Um Bonde Chamado Desejo/ A Streetcar Named Desire.

* Jogos Vorazes ainda não tem o sucesso americano aqui, não chegando aos dois milhões de espectadores no Brasil. Talvez consiga isso com o tempo, já que o livro ainda não era tão promovido quanto o Crepúsculo e também era bem mais violento. Curiosamente o filme tem sido mais consumido aqui pelo público feminino (já que os teens masculinos são atualmente a plateia mais difícil e arisca). Fico preocupado só com o fato de que o diretor original, que fez um filme tão competente, Gary Ross, tenha ficado fora do projeto. Economia desse tipo é besteira.

* Jogos Vorazes também  foi o campeão de indicações para o MTV Movie Award. Torço abertamente para Jennifer Lawrence que acho a mais talentosa das jovens atrizes do momento.

A categoria mais divertida foi a de melhor performance angustiante (Gut Wrenching Performance, literalmente interpretação de dar dor de estômago) que inclui com toda justiça a cena da dor de barriga de Missão Madrinha de Casamento.

Teve ainda o Dirt Bag Performance  (traduziram aquilo desleixado, na verdade, eles querem dizer "douche bag", que seria "um saco de fazer lavagem intestinal" que é um xingamento hoje muito comum nos EUA). Seria então um vilão desprezível como os indicados Bryce Dallas Howard (Histórias Cruzadas).

Collin Farrell (Quero Matar Meu Chefe), Jennifer Aniston (Quero Matar Meu Chefe), Jon Hamm (Missão Madrinha de Casamento) e  Oliver Cooper (Projeto X – Uma Festa Fora de Controle).
* A foto que acompanha a matéria de hoje traz eu com Spike Lee, num jantar que Wilson e Tatiana Quintella ofereceram para ele antes de ir para Brasília. Acontece que Tati é da Paranoid Produtora, que esta fazendo a parte brasileira do projeto. 

Foram eles que me convidaram para conhecê-lo mais de perto (já o tinha entrevistado em Cannes, mas faz algum tempo). Spike se revelou extremamente educado e gentil, um cavalheiro a moda sulista (ele nasceu em Atlanta) e na hora da foi ele quem deu a mão e fez questão de tirar a foto assim).

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